De horrorfilm "Last Night in Soho" is helemaal niet eng, maar fascineert door zijn schoonheid

Op 25 november verschijnt een nieuwe film van een van de slimste regisseurs van onze tijd op Russische schermen. Ooit werd Edgar Wright beroemd met de release van "Blood and Ice Cream" - parodie-stileringen voor films van verschillende genres. Gevolgd door "Scott Pilgrim Against All" en zelfs de meest populaire film van de auteur "Baby on a Drive" bewaard kenmerkende kenmerken: elke keer creëerde de regisseur een zeer ongebruikelijke visuele serie, gekoppeld aan muziek en verwijzingen naar pop cultuur.

Last Night in Soho werd aangeprezen als de eerste horrorfilm van Edgar Wright. Maar in feite is het onwaarschijnlijk dat deze film iemand serieus bang zal maken. De regisseur grijpt eerder naar stilering en heeft heimwee naar oude cinema. En het is heel mooi en spannend geworden.

Ode aan het swingende Londen

De jonge wees Eloise Turner (Thomasin McKenzie) is dol op de muziek en mode uit het verleden. Ze droomt er ook van om modeontwerper te worden. En het lijkt erop dat het meisje een gelukkige kans heeft: ze gaat naar de universiteit en verhuist van de provincies naar Londen. Maar Eloises relatie met haar kameraden werkt niet en dan huurt ze een kleine kamer in de wijk Soho.

Nu, elke nacht, als ze in slaap valt, bevindt de heldin zich in de jaren 60 en kijkt ze toe hoe de mooie Sandy (Anya Taylor-Joy), met de steun van de sluwe manager Jack (Matt Smith), probeert een beroemde zangeres te worden.

In eerste instantie lijkt het erop dat dit slechts fantasieën zijn. Maar al snel realiseert Eloise zich dat ze getuige is geweest van een misdaad die in het verleden heeft plaatsgevonden. En in het heden beginnen griezelige geesten het meisje te achtervolgen.

Fans Edgar Wright ze weten heel goed dat de regisseur een fan is van de popcultuur van de afgelopen jaren, en vooral de jaren '60. Zijn debuutfilm, A Zombie Called Sean, heeft talloze verwijzingen gemaakt naar de horrorklassieker Night of the Living Dead uit 1968. In "Baby on a Drive" bestaat een aanzienlijk deel van de soundtrack uit muziek uit vervlogen tijden, en de plot zelf is duidelijk keert terug naar Walter Hill's "Driver" (oorspronkelijk getiteld Baby Driver and The Driver) respectievelijk).

Maar in Last Night in Soho dompelt Wright de kijker letterlijk onder in een swingende sfeer. Londen (historisch en cultureel tijdperk van de jaren 60), waarbij al je dierbaren in de plot en de foto worden gegooid elementen. Geen wonder dat het toneel van ontmoeting met alle drie de personages (Sandy en John in werkelijkheid, en Eloise als spookachtige waarnemer) vindt plaats in de legendarische club Café de Paris, en de eerste communicatie ontwikkelt zich meteen tot een duizelingwekkende dans op het parmantige jazz.

Bovendien probeert de regisseur niet de echte sfeer van vroeger na te bootsen. Soho ziet eruit als een meisje uit de 21e eeuw (en, blijkbaar, Wright zelf) verbeeldt het zich in haar fantasieën. Dit is een heldere, betoverende foto van een oude ansichtkaart of van een klassieke film over James Bond. Meisjes dragen chique, luchtige jurken en mannen dragen perfecte pakken. Iedereen drinkt cocktails, en zelfs de donkere steegjes lijken meer mysterieus aanlokkelijk dan beangstigend.

Dit is gewoon een openhartige liefdesverklaring voor de stijl en muziek van Engeland in de jaren 60. En hoe moeilijker en onverwachts het hoofdplot eruitziet - somber en tragisch.

Deconstructie van nostalgie

Edgar Wright staat natuurlijk niet alleen in zijn heimwee naar de cultuur van het verleden. Ik heb hetzelfde onderwerp aangesneden, bijvoorbeeld Woody Allen in Midnight in Paris, en vele andere auteurs. Maar vaak worden er ook films uitgebracht waarin ze praten over de wrede ordes van vervlogen tijden. Slechts zelden slaagt iemand erin om deze twee componenten te combineren tot één elegant verhaal.

De actie ontvouwt zich niet voor niets in twee parallelle tijden: het gaat niet alleen om het verlangen om mystiek toe te voegen, maar ook om het contrast. In eerste instantie denkt de kijker, net als de heldin zelf, dat de helderheid en stijl van de jaren 60 veel interessanter en aantrekkelijker is dan de gezichtsloze disco's van onze tijd. En Eloise gaat graag haar dromen in, waar ze zich prettiger voelt.

Maar al snel wordt duidelijk dat het verleden niet zo gelukkig was. In de nieuwe tijd komt het enige negatieve van ongeremde klasgenoten, en zelfs zij kunnen alleen maar lasteren - ze zullen nooit echt kwaad aanrichten. En de vriend van de heldin, John (Michael Adjao) is het ideaal van een begripvolle man die vrouwen met respect behandelt.

Maar in Sandy's leven is alles precies het tegenovergestelde. Voor de sluwe Jack is elk mooi meisje een handelsartikel dat winstgevend kan worden verkocht. En zijn druk kent geen grenzen. Het refrein zal al klinken nu ontoelaatbaar: "Je hebt het zelf gewild." Hier wordt de veiligheid van de nieuwe tijd gecontrasteerd met de wreedheid en grofheid van het verleden met talloze verwoeste levens.

Bovendien maakt Edgar Wright voor het eerst een meisje het hoofdpersonage van zijn foto: eerder had de regisseur het over introverte jongens en mannen. Al kan niet gezegd worden dat zo'n wending uit het niets kwam of als eerbetoon aan de tijd. Al in "Scott Pilgrim" en "Little On The Drive" verschenen respectievelijk Mary Elizabeth Winstead en Lily James, die niet minder aandacht trokken dan de hoofdpersonen.

Nu blijkt dat Wright films maakt over vrouwelijke personages die niet slechter zijn dan over het leven van een andere nerd.

Extravaganza van kleur en reflecties

Natuurlijk worden de films van Edgar Wright gewaardeerd om meer dan alleen hun inhoud. De vorm van presentatie is niet minder belangrijk in zijn schilderijen: gestileerde strips in "Scott Pilgrim", perfect ingeschreven muziek in "Baby on a Drive" - ​​dit zijn de details die fans van goede cinema aantrekken. En zelfs in de vroege werken zorgden de montage en de soundtrack voor een aanzienlijk deel van de sfeer: denk maar aan de scène met het lied van de koningin op de Zombie Called Sean-tape.

Het is veilig om te zeggen dat Last Night in Soho een echte traktatie zal zijn voor fans van esthetisch filmen. Allereerst vult de auteur de afbeelding met neonlicht. Maar nog belangrijker, letterlijk het hele visuele bereik wordt weergegeven door middel van reflecties. Dit is een frequent bezoek aan de bioscoop. Maar Wright maakt spiegels een onderdeel van de plot: het is door hen dat de heldin de gebeurtenissen uit het verleden observeert.

Verder komen complexe choreografie en ongebruikelijke montage om de hoek kijken - dit is waar deze regisseur zo beroemd om is. In verschillende delen van het frame herhalen de twee actrices de bewegingen een voor een, en op het moment van de dans wisselen ze meerdere keren van plaats. En dit gebeurt zonder zichtbare verlijming. Hier is het heel gemakkelijk om in mystieke reïncarnatie te geloven.

En de hoofdrolspelers zelf worden met ongelooflijke liefde door de camera gefilmd. Thomasin McKenzie's blauwe ogen straalden nooit zo.TijdShyamalan, noch in Waititi's JoJo Rabbit. Anya Taylor-Joy, die al bijna de meest gewilde actrice van de moderne tijd is geworden (naast de opnames met Robert Eggers, David O. Russell, George Miller en Scott Frank), wordt hier omgetoverd tot een elegante porseleinen pop. En Matt Smith bevestigt dat hij net zo charmant als angstaanjagend kan zijn.

In de eerste minuten lijkt het erop dat "Last Night in Soho" het verhaal van de "Neon Demon" probeert te herhalen Nicholas Winding Refna. In de beschrijving staat echt veel van hetzelfde: een horror over de modewereld, waarin een provinciaal meisje zich in de hoofdstad bevindt. En neonkleuren en symmetrie van het frame zijn de kenmerkende kenmerken van de Deen.

Maar alle analogieën zijn al verdreven in het eerste derde deel van de foto. Toch zijn de twee auteurs heel verschillend, hun stijlen kunnen niet worden verward. Bovendien zorgde Refn er nog steeds voor dat je je ongemakkelijk voelde, en Wright behaagt de kijker.

Gestileerde horror

Hoewel het beeld wordt gepresenteerd als een echte horrorfilm, moet je er geen al te angstaanjagende scènes van verwachten of zelfs een verlangen om sterke angst te veroorzaken. De nieuwe film is eerder een andere stilering, zoals Wrights eerste werken waren. net in tegenstelling tot "Zombie genaamd Sean»De regisseur schampert het genre niet meer, maar gebruikt de beste elementen om schoonheid te creëren.

"Last Night in Soho" lijkt te balanceren tussen twee weergaven verschrikkingen. Aan de ene kant verwijst hij duidelijk naar diep psychologisch werk. En op de klassiekers, zoals de schilderijen "Disgust" van Polanski en "Now Don't Look" van Rogue (alweer de jaren 60 en 70), en niet op de nieuwerwetse post-horrorfilms van Ari Astaire en Robert Eggers. Anderzijds gebruikt de auteur screamers, griezelige muziek en andere technieken van de traditionele vertegenwoordigers van het genre, die doen denken aan de films van James Wang.

Bovendien zien beide componenten er niet goed uit in de handen van een ervaren regisseur. Ja, je kunt fouten vinden in de kwaliteit van de visuele effecten - geesten zien er te plat uit. Maar dan komt de gedachte op dat dit precies is wat Wright bedoelde: in de oude film werden monsters zo geportretteerd. Bovendien houdt de auteur zich in sommige scènes nog steeds niet in en maakt grappen over de canons. Bijvoorbeeld over de onheilspellende stilte in de bibliotheek.

Al bekend Gisteravond in Soho / Box Office Mojodat in de VS en enkele andere landen de film "Last Night in Soho" erg slecht begon. Het is onwaarschijnlijk dat een foto met een budget van $ 43 miljoen zijn vruchten zal afwerpen aan de kassa. Maar Edgar Wright was nooit een commercieel regisseur (zelfs het cultwerk "Scott Pilgrim vs. All" wordt als een kaskraker beschouwd). En zijn meest succesvolle film "Baby on a Drive" wekte de angst dat de auteur neigt naar populaire genres en zijn stijl verliest.

Maar het nieuwe werk bevestigt dat Edgar Wright zichzelf niet bedriegt. Hij creëert opnieuw een sierlijk beeld vol verwijzingen naar de klassiekers. De regisseur brengt heldere en charismatische acteurs samen en verandert de actie in een spektakel van kleuren en esthetische shots. En zelfs als je achteraf fouten in de film kunt ontdekken, wil je bij het bekijken ervan gewoon jezelf onderdompelen in wat er gebeurt.