Hoe filmmakers kijkers helpen om van hun films te houden

Meestal praten mensen bij het bespreken van films over de plot en het acteerwerk. Dit zijn natuurlijk belangrijke onderdelen van elke film. Maar het gebeurt zo dat je je ogen niet van een foto kunt afhouden, hoewel de actie zich heel langzaam ontwikkelt en een ander verhaal snel saai wordt, ondanks de vele gebeurtenissen. Sommige auteurs weten de kijker te laten geloven in de meest fantastische bochten, terwijl anderen zelfs echte situaties als speelgoed maken. En het is gewoon leuk om naar sommige banden te kijken, terwijl andere moeilijk zijn.

Het punt is dat er, naast de plot en de acteurs, veel interessante technische trucs zijn met behulp waarvan regisseurs de kijker helpen de actie te voelen en te genieten van wat er op het scherm gebeurt. Deze subtiliteiten worden misschien niet eens opgemerkt, maar ze hebben nog steeds een grote invloed op de perceptie van de foto.

Kleurenspectrum

Het eerste dat opvalt, is dat de kleuren in de films vaak helemaal niet hetzelfde zijn als in het echte leven. Het kan heel duidelijk zijn (als de foto bijvoorbeeld zwart-wit is), of je beseft het niet meteen. Maar dit is geen toeval.

Sfeer creëren

Met behulp van kleuren kun je de sfeer van wat er gebeurt beter overbrengen, een sfeer creëren voor de kijker en zelfs de gevoelens van de personages zelf laten zien.

Neem bijvoorbeeld de populaire franchise "X-Men». In de hoofdreeks films lijkt het heldere en rijke beeld op strips. En in tegenstelling tot hen in noir "Logan", waar ze praten over de ouderdom en vermoeidheid van de held, worden lichtere kleuren gekozen.

In de film "Mad Max: Fury Road" vindt de meeste actie plaats in een heet woestijngebied. Het is logisch dat de foto is gemaakt in geeloranje tinten, waardoor je de brandende zon en droogte voelt.

Voor de duidelijkheid: u kunt een kader nemen en het kleurenschema wijzigen. Het zal direct lijken dat het kouder is geworden.

Om een ​​contrasterend beeld te creëren, worden moderne blockbusters en in het algemeen massacinema meer blauw en oranje gemaakt.

En hier is de beroemde Wes Anderson houdt van een zacht roze palet. Het geeft de kijker het gevoel van een oude romantische film. En alles wat er gebeurt, wordt rustiger en gemakkelijker waargenomen.

Als ze een sfeer van de toekomst en fantasie willen creëren, worden ze ook vaak blauw. En ze houden vooral van neonkleuren, die stevig in het hoofd van de kijker zijn verbonden met cyberpunk en technologie.

Onnodig te zeggen dat de auteurs horrorfilms geef de voorkeur aan donkere kleuren. Hiervoor zijn verschillende redenen. Dit is natuurlijk deels een manier om de atmosfeer op te pompen. Veel mensen zijn al bang in het donker, en in horrorfilms zitten er ook monsters in.

Bovendien kunt u met een donkere afbeelding de onvolkomenheden van afbeeldingen of make-up enigszins verbergen en besparen op productie. Toegegeven, hier schuilt een gevaar: als je het frame te veel donker maakt, kan de kijker gewoon niet zien wat er op het scherm gebeurt, vooral in een slechte bioscoop of op een oude tv. Dit was bijvoorbeeld het geval in de film Slenderman uit 2018.

Hoewel sommige originele regisseurs in tegenstelling kunnen spelen. Bijvoorbeeld Ari Astaire in "Zonnestilstand”Toonde de typische sfeer van een horrorfilm: de helden bevinden zich in een afgelegen dorp, waar vreselijke dingen gebeuren.

Maar tegelijkertijd is de foto erg licht, er zijn bijna geen donkere scènes in en de kleding van de helden is sneeuwwit. En hiervan wordt het nog erger, want er is nergens te verbergen voor de gruwel.

Plotdelen scheiden

Een film kan verschillende kleurenfilters hebben. Ze worden gebruikt om verhaallijnen duidelijker te scheiden. En met het juiste talent helpt deze aanpak om het plaatje op te fleuren.

Een goed voorbeeld is "Matrix». Het logo van deze tape is gemaakt met groene codesymbolen, die het programma aangeven waarin mensen leven. Daarom werd alles wat er in de virtuele wereld gebeurt, gefilmd door een groenachtig filter. En echte gebeurtenissen worden in blauw weergegeven.

En pas helemaal aan het einde van het derde deel, wanneer mensen en machines een vredesakkoord hebben gesloten, verschijnen tegelijkertijd pure blauwe en groene kleuren in het frame.

In film Christopher Nolan "Beginnende" personages gaan van de echte wereld naar een droom, dan naar een droom in een droom, enzovoort. Om de "lagen" duidelijker te scheiden, koos de regisseur voor elk van hen zijn eigen kleurenschema.

Op het eerste slaapniveau wordt alles gefilmd in een blauw palet, het tweede is geel, het derde is wit. En pas in de laatste droom komen alle tinten weer samen, net als in de echte wereld.

In Blade Runner 2049 Denis Villeneuve verschillende kleuren weerspiegelden zowel de locatie als de innerlijke toestand van de hoofdrolspeler.

Het begint allemaal met het personage van Ryan Gosling dat in de mist ronddwaalt, dan passeert hij een hete oranje woestijn, neonfuturisme en een nachtelijke overstroming. En het verhaal eindigt op een sneeuwwitte achtergrond, die rust en zuivering weerspiegelt.

Weigering van kleur

Er waren eens alle films zwart en wit. Simpelweg omdat ze anders niet wisten hoe ze moesten fotograferen en het mogelijk was om de frames alleen met de hand in te kleuren. Toen kwamen er kleurenfilms langs en werd cinematografie veel realistischer.

Maar tegelijkertijd behoort zwart-witfotografie niet helemaal tot het verleden. Ze worden nog steeds gebruikt voor artistieke doeleinden. Bijvoorbeeld om verschillende werelden of verhaallijnen af ​​te bakenen.

Dus in The Wizard of Oz in 1939 verschijnt kleur wanneer Dolly de sprookjeswereld betreedt.

In "Stalker" van Andrey Tarkovsky zijn kleuren ook afwezig in het gewone leven van de helden. En wanneer de personages zich in de mystieke "Zone" bevinden, wordt de wereld stralend - het is hier dat mensen zichzelf echt onthullen.

Of toch liet Christopher Nolan in de tape "Remember" een deel van de actie in de directe volgorde zien, en het tweede - in het tegenovergestelde. Daarom is de helft van de film in kleur opgenomen en de andere in zwart-wit.

Bovendien kunt u met een zwart-witfoto bepaalde details levendiger laten uitkomen door er gewoon kleur aan toe te voegen. Voor de eerste keer deed Sergei Eisenstein dit toen hij de vlag handmatig schilderde in het slagschip Potemkin van 1925.

Vervolgens werd deze techniek in totaal verschillende genres gebruikt. In de "Schindler's List" Steven Spielberg het uiterlijk van een meisje in een rode jas wordt een van de meest emotionele momenten.

En zelfs in de komische film Sin City wordt deze benadering herhaaldelijk gebruikt, met de nadruk op rode lippenstift, heldere ogen of bloed.

Frame constructie

Regel van derden

Een van de fundamentele principes van zowel cinema als fotografie. Dit is zoiets als een vereenvoudigde regel van de "gulden snede".

Het is simpel: tijdens het fotograferen wordt het scherm verticaal en horizontaal in drie delen verdeeld. De belangrijkste elementen voor de plot moeten zich op deze lijnen bevinden, evenals op hun kruispunt. Dit maakt het voor de kijker gemakkelijker om zich op de gewenste punten te concentreren.

Plaats in een vierkant

Als je het frame voorwaardelijk in tweeën deelt of in vier gelijke delen, dan kun je de kijker zonder woorden laten begrijpen welke plaats het personage in het verhaal inneemt.

Deze techniek is het duidelijkst te zien in de tape "Drive" Nicholas Winding Refna. Als het gezicht van de hoofdpersoon bijvoorbeeld in de linkerbovenhoek wordt weergegeven en in het volgende frame een ander personage op dezelfde plaats verschijnt, dan is dit een hint dat de personages rivalen zullen zijn.

Bovendien kan dezelfde Refn twee verhalen parallel vertellen: in de bovenste en onderste delen van het scherm, of in de linker- en rechterhelft. De kijker merkt deze zet misschien niet, maar toch zal de perceptie van de personages vollediger zijn. Bovendien is het gewoon prachtig.

Symmetrie

Een andere psychologische en esthetische techniek tegelijk. Vaak worden opnamen waarbij de linkerhelft de rechterhelft weerspiegelt, alleen voor schoonheid gemaakt.

Maar soms brengen ze de tegenstelling van de personages over. En als de held in de spiegel kijkt, toont hij zijn donkere kant of het verschil tussen dromen en realiteit. Kortom, elke allegorie die men kan bedenken voor reflecties.

Nederlandse hoek

Om de instabiliteit van de main held, zijn twijfels over iets of geheugenproblemen, gebruiken een zeer visuele techniek. "Dutch angle" betekent dat de camera niet recht, maar gekanteld fotografeert. Veel voorbeelden van deze aanpak zijn te vinden in de films van Danny Boyle.

De kijker is niet gewend om vanuit een hoek naar de foto te kijken, waardoor hij de ongemakkelijke toestand van het personage beter waarneemt.

Het is echter belangrijk om de maatregel hier te observeren. Zo werd de rampzalige film "Battlefield: Earth" volledig onder een hoek gefilmd. Maar over anderhalf uur heeft de kijker waarschijnlijk gewoon een zere nek.

Schieten van onderaf en van bovenaf

Nog een van de eenvoudige maar effectieve technieken waarmee je het zelfgevoel van de helden kunt overbrengen. Zo kun je bijvoorbeeld laten zien wie de situatie beheerst. En dan denk ik meteen aan de banden Quentin Tarantinowaar de personages in de kofferbak kijken.

En van bovenaf schieten geeft je het gevoel dat de held zich onzeker voelt. Hier is hoe grappig ze het speelden in de beroemde scène uit de film "What Men Talk About", waarin het personage van Kamil Larin, als een kind, excuses maakt voor de portier in een duur restaurant:

Dialoog en beweging

Achtergrondactie

Een techniek die het meest wordt gebruikt in komedie of horror. Op de voorgrond gebeurt er niets interessants. En het belangrijkste ontvouwt zich tegen de achtergrond, die kan worden verduisterd of wazig.

De hoofdpersoon van de film 'Zombie genaamd Sean"gaat naar de winkel. Alles is heel alledaags voor hem. En op de achtergrond is er een echte apocalyps:

Afhankelijk van het genre en de presentatie kan dit een heel grappig effect of spanning creëren - zo vaak zijn de belangrijkste schreeuwers verborgen in horrorfilms.

Gesprekken in beweging

Het meest voorkomende type dialoog in films is dat personages zitten en chatten. In dit geval schakelt de camera traditioneel tussen gezichten.

Maar als de scène te lang wordt, dan kijker moe worden van de constante herhaling van dezelfde hoeken. Daarom vullen of veranderen goede regisseurs de setting van dergelijke scènes.

Dus in de films van Quentin Tarantino spreken de personages bijna constant. Maar de meester laat je niet vervelen, want dialogen kunnen tijdens het rijden plaatsvinden. Door de constante verandering van de achtergrond lijkt de actie niet eentonig.

En zelfs als de personages zich in dezelfde ruimte bevinden, schakelt de camera niet zomaar. Ze kan er omheen bewegen en het effect van aanwezigheid en zelfs deelname aan het gesprek creëren. Bijna alle karakters zijn te zien zonder onnodige bewerking.

Nicholas Winding Refn slaagt erin om het reeds genoemde spel met kleur en reflectie te gebruiken in eenvoudige conversaties. In Drive lijkt de eerste dialoog van de hoofdrolspelers er heel eenvoudig uit te zien.

Maar op het zelfde moment het personage Ryan Gosling staat altijd op een blauwe achtergrond (dit kleurenschema begeleidt hem de hele film). En de heldin Carey Mulligan staat aan de oranje muren. En dit laat zien dat iets hen scheidt, ook al zijn ze dichtbij.

De regel van 180 graden

Er is nog een belangrijk punt tijdens het filmen. Als je de camera meer dan 180 graden beweegt bij het veranderen van hoeken, raakt de kijker in de war. Wanneer de held bijvoorbeeld rent, lijkt het alsof hij zich heeft omgedraaid en in de tegenovergestelde richting beweegt.

En dit is even belangrijk, zelfs tijdens dialogen. Om niet de indruk te wekken dat iedereen in het frame abrupt is bewogen, kiezen de operator en regisseur een bepaalde lijn waar de camera niet overheen mag.

Het is merkwaardig dat een opzettelijke overtreding van deze regel kan worden gebruikt om de kijker in verwarring te brengen, om de verwarring van de held te laten zien. En met de nodige verbeeldingskracht creëren de auteurs meer ongebruikelijke scènes. Bijvoorbeeld een gesprek Gollem Met mezelf. Het personage wordt eenvoudig van verschillende kanten getoond, maar hierdoor ontstaat het effect dat er twee sprekers zijn en dat ze in dialoog zijn.

Installatiefuncties

Door te monteren kun je de actie van de film dynamischer maken, de saaie momenten van het leven 'overslaan' en je vanuit verschillende gezichtspunten laten kijken naar wat er gebeurt. De eenvoudigste vorm is verhalend. Dat wil zeggen, de gebeurtenissen in het frame vinden de een na de ander plaats. Dit werd het duidelijkst uitgelegd in The Man from Boulevard des Capucines.

Maar je kunt de gebeurtenissen in de film op een andere manier laten zien, en hiervoor gebruiken ze verschillende technieken.

Parallelle installatie

In tegenstelling tot opeenvolgende verhalen, willen auteurs soms dat het publiek kan zien wat er tegelijkertijd op verschillende plaatsen gebeurt. En toen bestuurders raadpleeg parallelle bedrading.

Dit maakt het plot bewogener. Maar voorzichtigheid is geboden. Als je om de beurt de scènes laat zien die tegelijkertijd voorkomen, krijg je immers de indruk dat ze allemaal langer duren.

Een treffend voorbeeld van niet-succesvolle parallelle bewerking is "Furious-6". De helden proberen te ontsnappen in een vliegtuig dat over de landingsbaan rijdt, auto's achtervolgen hen en er vindt een gevecht plaats in de voering.

De auteurs demonstreren zo veel gebeurtenissen tegelijk dat op het scherm het vliegtuig minstens 15 minuten lijkt te versnellen. Onnodig te zeggen dat dit al het realisme van de situatie doodt?

Maar Christopher Nolan wordt algemeen erkend als een meester in parallelle montage. De regisseur gebruikt het in veel van zijn werken, maar The Beginning is het beste voorbeeld. Gebeurtenissen op verschillende slaapniveaus vinden gelijktijdig plaats, en met verschillende snelheden (in diepere slaap gaat de tijd langzamer).

Hier wordt de al genoemde scheiding van kleuren aan de actie toegevoegd en de kijker raakt niet in de war in wat er gebeurt, maar realiseert zich de hele globaliteit van gebeurtenissen.

Interessant is trouwens dat Nolan in de film "Duinkerken" nog geestiger is met deze techniek. Het toont parallel de gebeurtenissen die plaatsvinden op het land, in het water en in de lucht. In feite is de chronologie compleet anders en komt alles pas in de finale samen.

Flashbacks en Flash Forwards

Soms integreren de auteurs hun herinneringen aan het verleden - flashbacks - in het lineaire verhaal van de personages. Dit kunnen hele korte flitsen van een paar seconden zijn of hele verhaallijnen.

Een grote liefhebber van zulke momenten - Jean-Marc Vallee. Zo voegt hij spanning toe aan de ogenschijnlijk rustige scènes. Of hij maakt duidelijk dat het personage iemand bedriegt: hij zegt één ding, maar er verschijnt iets heel anders in zijn herinneringen.

Het is niet moeilijk te raden dat flashforwards dezelfde verhalen zijn, maar dan uit de toekomst. Ze worden minder vaak gebruikt, meestal in sciencefiction of mystieke verhalen. Op zo'n techniek bouwden ze zelfs een hele serie, waarbij tijdens een bepaalde zonsverduistering iedereen een moment van zijn de toekomst.

En verder langs de plot probeert iedereen de redenen te achterhalen voor wat er is gebeurd en de betekenis van hun visioenen te begrijpen. De serie werd zo genoemd: Flashforward (in Russische vertaling - "Onthoud wat er zal gebeuren"). Toegegeven, hij duurde maar één seizoen.

Jump-cut

Deze techniek is al van toepassing op lineaire bewerking. Het betekent een scherpe overgang tussen opnamen. Ze gebruiken het voor totaal verschillende doeleinden.

In Little Shop of Horrors van Frank Oz helpt deze bewerking om het lange en saaie verstrijken van de tijd te laten zien.

Maar Lars von Trier, die de jump-cut ook vaak in zijn werken gebruikt, brengt op deze manier de emotionele stress en psychologische instabiliteit van de personages over. Op deze manier fotograferen maakt de foto 'nerveuzer'. In de "Idiots" -band is dit heel toepasselijk:

Bewerken in vorm en geluid

Om ervoor te zorgen dat verschillende gebeurtenissen die in de film worden getoond, worden gezien als een voortzetting van elkaar, gebruiken auteurs vaak visuele toevalligheden. Dat wil zeggen, de contouren van een object in het ene frame worden in het volgende herhaald. En soms kan het er erg geestig uitzien.

Op dezelfde manier kunt u de kijker met geluid 'vasthaken'. De schreeuw gaat door met het gefluit van de stoomboot en het industriële gerommel wordt vervangen muziek- hetzelfde tempo. Of het gesis van een beschadigde pijp verandert in een geknetter van geroosterd vlees.

Bovendien kan het geluid iets voor of achter zijn wat op het scherm wordt weergegeven. Dit wordt gedaan om de scènes meer verbonden te maken. Dat wil zeggen, de kijker hoort nog steeds spraak en geritsel van het vorige frame, maar de actie is al veranderd. Of vice versa.

Gebrek aan installatie

Dit is een gewaagde zet: regisseurs nemen lange scènes op zonder helemaal te bewerken, of ze verbergen deze op verschillende manieren.

Dit maakt wat er op het scherm gebeurt realistischer, geeft de kijker een idee van het tempo van het verhaal zelf. Maar deze aanpak vereist natuurlijk veel meer repetitie en investeringen. Inderdaad, tijdens de verwerking kunt u niet-succesvolle kleine dingen verwijderen.

Dus, Joe Wright in de film "Atonement" liet een scène van vijf minuten zien met de evacuatie van troepen uit Duinkerken tijdens Tweede Wereldoorlog. De menigte omvatte 1.300 mensen, met apparatuur die in het frame bewoog en explosies op de achtergrond. Het is deze benadering die alle somberheid en chaos van wat er gebeurt, overbrengt.

Moderne technologieën maken het mogelijk om de installatie nauwkeuriger te behandelen. En dit hielp Alejandro Gonzalez Iñárrit om Birdman neer te schieten. Daarin merk je niet eens meteen dat de hele actie in één doorlopend frame wordt weergegeven.

In feite is de montage er, maar verborgen. Lijmen worden gemaakt wanneer de camera door een donker element gaat.

En de "Russian Ark" van Alexander Sokurov ziet er nog sterker uit. De actie vindt plaats in de Hermitage en de regisseur kreeg één dag om te filmen. Daarom besloot hij de foto te maken zonder te lijmen.

Het kostte zeven maanden repetities met 800 extra's. Als gevolg hiervan schoten ze vanaf de derde opname een hele film met een duur van 1 uur en 27 minuten.

---

In feite zijn er veel meer van dergelijke subtiliteiten. Maar velen van hen vereisen al een grondige kennis van regie en cinematografie. Dit zijn slechts eenvoudige voorbeelden die in veel films te zien zijn. En als je naar de volgende foto kijkt, zal je zeker getroffen worden door de "Hollandse hoek" of een lang frame zonder bewerking. Maar dat zal de magie niet breken cinematografieintegendeel, het zal kijken nog interessanter maken.